Desde los primeros instantes somos expuestos a un saludable suspenso que permiten mantenernos atentos a lo que sucede en la pantalla, lo sorprendente es que todavía no conocemos a nuestro protagonista y ya nos estamos preocupando por su futuro. Un don que no es muy fácil de adquirir en estos días.

El responsable de hacer que nos interese el filme es Ryan Gosling, quien sin duda ha tenido un excelente año al tener nominaciones de asociaciones de críticos en todas las películas en las que ha participado. Es por eso que es injusto que no haya sido reconocido en los grandes premios de la Academia, aunque no los culpo al tener puro peso completo nominado en la categoría, algo tenía que ceder y ese fue Gosling. Pienso que por tratarse de una historia tan común que ya hemos visto un buen número de ocasiones, no fue suficiente para obtener el reconocimiento que muchos fanáticos hubieran deseado, por eso resulta una grosería la única nominación en mejor edición de sonido como si se tratara de una cinta del montón.

El personaje de Gosling es un témpano de hielo andando que no emana sentimiento alguno con facilidad y sin ningún nombre al que podamos tener como referencia. Su principal fuente de expresión es su rostro que mira fijamente a la carretera como si fuera su único propósito para vivir. No le importa salir volando por los aires como doble en una película o ser el chofer de unos delincuentes que acaban de asaltar un negocio, queda claro que el sólo quiere manejar su automóvil. Es entonces que “Drive” te cuestiona a cada instante quien este personaje, siguiendo sus aventuras con atención hasta conocer quien es realidad.

El director Nicolas Winding Refn se hizo famoso en 2008 por el filme “Bronson”, al mostrarnos la naturaleza del prisionero estrella del sistema carcelario del Reino Unido. Su estilo se basa en escenas que permiten la introspección del personaje al mismo tiempo que magnifica los escenarios en donde se encuentra. No escatima en el uso de la banda sonora para frenar la acción, otorgándonos momentos de aparente paz, seguidos por una explosiva escena que cambia cualquier percepción que pudiéramos tener. Es así como “Drive” continua con ese estilo propio del director, para convertirse en una serie de escenas que en apariencia no brinda muchas emociones, pero que conforme transcurre la cinta se han acumulado a tal grado que explotan en nuestro rostro.

Es injusto decir que todo el peso de la película recae en los hombros de  Ryan Gosling, quien al igual que él, su compañera de elenco Carey Mulligan también se la pasa recolectando reconocimientos por la crítica especializada. Su interpretación de la vulnerable Irene no tendrá demasiado atractivo al representar la típica diosa del amor por la cual un caballero esta dispuesto a luchar, pero lo que la hace tan especial es que a diferencia de “Driver”, ella si expresa sus sentimientos de afecto y tristeza por lo que le ocurre. Su inocente rostro en medio del peligro que la acecha, se vuelve un personaje del cual buscamos lo mejor y por lo tanto con peso para las decisiones que Driver esta dispuesto a tomar.

No puedo olvidar al talentoso trío de actores Albert Brooks, Bryan Cranston y Ron Perlman, que con sus breves apariciones no sólo demandan nuestra atención, si no que permiten darle importancia a la película. Pero quien se lleva mi mayor aprecio es el gran Sr. Brooks con su despiadada interpretación de Bernie Rose, que sin exagerar provoca temor cuando se trata de “negocios”. Es por eso que aún tratándose de las mismas historias de siempre, el gran equipo actoral borra cualquier impresión de que ya hemos visto esto anteriormente, para darnos una cátedra porque son profesionales en su medio.

Si lo suyo son las escenas de acción, entonces “Drive” lograra satisfacer su necesidad de adrenalina con varias secuencias de persecuciones de autos a cientos de kilómetros por hora en las horribles calles de Los Ángeles. Lo mejor es que se deja atrás el uso de los efectos digitales al darnos una experiencia a la antigüita con expertos haciendo uso de sus capacidades.

La cinta tiene una característica parecida a una olla de presión que se contiene hasta comenzar ha explotar con varias secuencias violentas que van aumentando en escala. Solo que es en los últimos veinte minutos cuando llega a su clímax y por lo tanto el resto llega a perder el suspenso que nos mantenía atentos en nuestro asiento. Con escenas de ultraviolencia como herramienta para mantener el impacto es como se sostiene el desenlace que se niega a ser predecible, cuando resulta serlo. El guión de Hossein Amini mantiene un detalle crucial en el anonimato para recuperar esa zozobra pérdida, resultando en un desesperado final feliz.

Con tantas versiones de esta misma historia: de alguien que se topa con la mafia y que no acepta pasivamente su destino. Lo que hace diferente a “Drive ” no es precisamente el guión o sus escenas de acción, si no la forma en que el director Nicolas Winding crea escenas poéticas de la violencia que se desencadenan en la pantalla. Es por eso que vale la pena reconocer su esfuerzo, aunque sean los fanáticos y no un grupo de Hollywood otorgándole una estatuilla dorada.

Calificación: ★★★★☆ 

Trailer Drive El Escape

No se dejen engañar por la idea que es un producto dirigido para el público infantil. Esto trasciende cualquier barrera impuesta por la edad para involucrarnos en una aventura que se puede definir como un nuevo clásico del cine. Son quizás los niños quienes no entiendan del todo y puede que encuentren una mayor distracción en los asientos.

El libreto está basado en la novela escrita por Brian Selznick,  que  relata la vida de Hugo (Asa Butterfield), un huérfano que vive  entre los pasadizos secretos de la estación Montparnasse en Paris, arreglando los gigantescos relojes  y tratando se huir constantemente del inspector de la estación (Sacha Baron Cohen). Cuando Hugo no está robando comida para sobrevivir,  se dedica a tomar partes mecánicas del taller de Papa Georges (Ben Kingsley), quien se dedica a reparar juguetes en uno de los tantos negocios de la estación. Un día George lo atrapa y confisca un libro con apuntes que describe a un autómata que el padre de Hugo (Jude Law) estaba intentando reparar.  Es a partir de ese momento que inicia una aventura por recuperar tan preciados apuntes, que lo llevaran a descubrir la fabulosa vida de un artista que hizo historia.

Se habrán dado cuenta que no soy fanático del 3D, se me hace innecesario y sólo un pretexto para cobrar de más el boleto del cine, pero lo que ha hecho Scorsese al utilizar dicha técnica con indudable elegancia, sin duda llega a competir con lo que Avatar intento ofrecernos. Aquí no pretende saturarnos con dicha novedad, sabe cuando utilizarlo y por lo tanto se mezcla de una forma más natural que otros directores han intentado incluir por la fuerza. Tampoco pretende vender más su película por utilizar la extra dimensión, si no que tiene un propósito muy noble al momento de rendir tributo al mismo género al que le debe su fama.

La joven pareja de actores Asa Butterfield y Chloë Grace Moretz son los encargados de llevarnos a través de su búsqueda por conocer los orígenes de un enigmático autómata. A través de su inocencia es como vemos  desenvolverse la película y transformarse a la vez en algo más allá de un simple cuento. Sus interpretaciones son de dos niños curiosos con el adecuado sentido de curiosidad que nos hacen sentir alegres de acompañarlos a la aventura, nada que ver con los típicos fastidiosos que buscan llamar nuestra atención con frases o sonrisas falsas.

En lo que parece un giro de 360 grados para la carrera del actor Sacha Baron Cohen, nos demuestra que es capaz de mantener mesura para lo que de seguro será su personaje más accesible para sus hijos. Tampoco perderán de vista a Frances De La Tour, Helen McCrory y Richard Griffiths, quienes podrán distinguir como actores que participaron en la saga Harry Potter. Creo que a quien no reconocerán con tanto pelo facial es a Christopher Lee, como uno de los comerciantes encargado de una librería. Aún con tales actores de renombre, sus personajes resultan ser pasajeros y el único que forma parte sustancial quiera o no es Cohen.

Durante la primera mitad de la cinta se pueden ver indicios de grandeza con la bella fotografía que nos permite admirar las estación de tren en toda su majestuosa gloria, ya sea en los oscuros pasillos de los impresionantes relojes o el agradable ambiente que se siente en la sala de espera, no puedes dejar de admirar tan buen trabajo. Pero aún no me hacían gritar a los cuatro vientos que es una obra de arte. Debo de advertir que aún cuando no es para aburrirse en esta parte, la trama se toma algo de tiempo en llegar a lo más importante. Después de tantas desviaciones en buscas de pistas, subtramas de los personajes que habitan la estación de tren y ninguna respuesta clara a tanto misterio, nunca me imagine que este se transformaría en una de las mejores películas que haya visto. Lo que ha hecho Scorsese es más que digno de reconocimiento, es una obra de arte.

Es indudable el amor que tiene el director al cine se ve más que reflejado en la pantalla. No sólo logra transmitirnos tan noble sentimiento con efectos visuales que simulan la primera reacción del público a una pantalla de cine, si no que a través de sus personajes llega el ingrato hacernos llorar. Es precioso vivir la nostalgia de toda una época que sólo puede ser conocida a través de los libros y con el sentido visual que maravilló a la gente en su tiempo.

Si estoy siendo escaso en los detalles es porque no quiero arruinarles la sorpresa. Sinceramente ahora entiendo lo que muchos han sentido con “Medianoche en Paris” y que uno por ignorancia no logra valorar, lo sorprendente es que no es necesario el conocimiento de la historia para entender el cariño con el que esta obra fue concebida.

Crean que las nominaciones que ha recibido por parte de la Academia son merecidas, es sin duda una de las mejores del año, si no es que la mejor.

Calificación: ★★★★★ 

Trailer a Invención de Hugo Cabret 

Cómo bien sabrán Caballo de guerra esta basada en la novela del mismo nombre escrita por el británico Michael Morpurgo, durante la primera guerra mundial, y publicada en el lejano 1982, y hoy, tres décadas después, al menos en México, recordemos que se estreno en los Estados Unidos a finales del año pasado, el director Steven Spielberg decide llevarla a la gran pantalla, y con ello marcar un retorno, honroso y digno de su talento, al cine. Un talento que le hizo filmar joyas cómo Tiburón, personalmente su mejor película, o La lista de Schindler, por mencionar solo un par. Luego del fracaso que supuso la cuarta película de Indiana Jones, allá en el 2008, Spielberg desapareció por un tiempo, para finalmente regresar con dos títulos bajo la manga, de uno ya hablamos, y ahora nos toca el siguiente.

Caballo de guerra nos cuenta la relación de amistad que sostienen un joven ingles, de familia humilde, llamado Albert Narracott, interpretado por Jeremy Irvine, y un caballo de nombre Joey. Una amistad que se fortalece aun más debido a las dificultades familiares de Albert y también con la inminente llegada de la primera guerra mundial, motivo por el cual, Joey es vendido a la caballería británica y separado de su mejor amigo. Desde ese momento la historia toma dos caminos y puntos de vistas diferentes, además de diversas subtramas que pretenden enriquecer la trama o eje principal de la historia.

Spielberg sabe lo que quiere contar, y eso se nota apenas empieza la película, sin embargo también cae en el error de imprimirle un sello de sentimentalismo que podría rayar en lo inverosímil, pero que afortunadamente nunca lo sobrepasa. Con la excusa de que es una película infantil y enfocada a la familia, a Spielberg nunca se le pasa la mano y procura no enseñar los horrores de la guerra, tal cómo si lo hizo con anterioridad con El imperio del Sol, La lista de Schindler y Rescatando al Soldado Ryan, donde su postura contra la guerra quedo más que clara: la odia. Ahora era el turno de mostrar la visión de éste lamentable acto humano através de los ojos de un animal, un caballo, pero un ser vivo a final de cuentas.

Creo que todos estarán de acuerdo que el alma y motor fundamental para que esta película se mantenga de pie, es el caballo Joey, magnifica criatura que se roba la película cada vez que sale a cuadro. Si bien la relación del animal con los distintos personajes de esta aventura pretende ser interesante, cómo los dos hermanos alemanes o la niña y su abuelo francés, y que deberían reforzar y aportar algo fundamental y emotivo a la trama, acaban por ser intranscendentes ya que Spielberg no les da ni el tiempo ni el peso que requerían, una lastima. Para fortuna de él, de Spielberg me refiero, Joey esta ahí para salvarlo. Es tal la ternura y carisma que trasmite esta criatura, que el público se identificara con él de manera inmediata.

Pero Joey no es el único que sobresale aquí, el equipo técnico, y de cabecera, de Spielberg le da las herramientas para lucirse. Desde una fotografía hermosa de Janusz Kaminski, pasando por la siempre emotiva, y perfecta, música de John Williams, hasta el montaje sumamente bien cuidado de Michael Kahn. Así con todos estos engranes funcionales, Spielberg tenía medio trabajo ya hecho, lo demás recaía en su talento y en sus actores “humanos”, mismos que salen bien librados, pero que no sobresalen en particular, toda la película es de Joey, y de él nadamas. En ese aspecto Spielberg logra su cometido, no tengo nada que reprocharle.

Merecidamente opta por el titulo de película del 2011, pues a pesar de sus errores y quizás de una visión infantil de la guerra (cómo la escena del alambre de púas), logra el objetivo de emocionarnos y hacernos sentir el sufrir de éstos animales, y del hombre también, cuando se habla de guerra. El mensaje es claro y contundente: la guerra destruye todo, pierdes todo lo que amas y jamás vuelves a ser el mismo. Ahora bien, más allá de eso que acabo de decir, la película sobresale también por meritos propios y por el cine que desborda en ciertas secuencias, cómo la primera batalla de ingleses con alemanes, el monologo de las palomas de guerra (simplemente sublime), la batalla de Albert, la muerte de dos amigos(los que la vean sabrán de que hablo), o la impresionante y poderosa cabalgata final de Joey, através de un campo de guerra. Si esta ultima secuencia de la cual les hablo no es cine puro, entonces no se que lo es.

Finalmente para terminar, me he extendido mucho, he de recomendarles ampliamente esta hermosa historia de amistad que gana en emoción pero que quizás sufra en profundidad. Al final del día son más los aciertos que los errores y es por ello que bien vale la pena visualizarla en una sala de cine al lado de toda tu familia, tus amigos o tu novia(o). Es junto con Hugo de Scorsese, lo mejor en cartelera, y de lo mejor que nos ha llegado en muchos años. Ojala y el cine siempre fuese así, que salieses de la función con una sonrisa en los labios, o en éste caso, prepárense, con lágrimas en los ojos.

Calificación: ★★★★☆ 

No les quiero contar la trama de la película, que en esencia es la del libro, debido a que perdería el factor sorpresa y la magia que nos brinda esta increíble historia. De hecho, hasta cierto punto es muy curioso que durante los primeros treinta minutos de la película no sabemos absolutamente nada, ni de que va la historia. Pero cuando se descubre la portentosa, y romántica, historia principal, el clímax, la película va en crescendo hasta dar lugar a una de las escenas más conmovedoras y hermosamente filmadas en muchos años, esto respaldado por el 3D, que aquí es fundamental y que posee una fuerza dramática que sin él, no sería posible.

Olvídense del trailer y las imágenes que han podido ver de la película, ya que ni por asomo le hacen justicia a lo que presenciaran en sus butacas durante poco más de dos horas. Una historia que el propio Scorsese ilumina con su dirección tan personal pero a la vez tan perfecta, demostrando una vez más que es una de los directores más talentosos de su generación y de la historia del cine. Además se consagra cómo un director de actores en plena forma y carácter, al saber manejar a la perfección a los protagonistas de éste relato, que son dos niños, ambos esplendidos en sus roles. Tanto Asa Butterfield, dando vida a Hugo, cómo la estrella juvenil Chloë Moretz, en la piel de Isabelle, abordan con carisma y personalidad sus papeles, esto también, apadrinado por la dirección de Scorsese y por el respaldo actoral de un monstruo cómo lo es Ben Kingsley, el cual da vida a un personaje memorable e icónico de la filmografía mundial, el cual no les diré. Lo siento.

Sacha Baron Cohen, mejor conocido cómo el irreverente Borat, brinda también aquí, sorpresivamente, una actuación muy divertida y sincera, en el papel de un inspector de seguridad, responsable del cuidado de la estación de trenes, donde Hugo vive. Y hablando de la estación principal, donde se desarrolla toda, o la mayor parte, de la historia, no queda más que aplaudir la labor titánica del equipo de arte, para poder recrear la estación, sino también sus alrededores, así cómo el Paris de los años 30`s. Una delicia el solo contemplar la torre Eiffel con esa nieve tan blanca cayendo ante nuestros ojos.

En el apartado técnico todo es sobresaliente, desde la fotografía tan espectacular de Robert Richardson, uno de los mejores operados de la actualidad, hasta la música, sublime, por parte de Howard Shore. El diseño sonoro, los efectos visuales, el vestuario, el diseño de arte, todo, todo aquí tiene una mezcla y engranaje perfecto cual reloj funcional. Todas las piezas funcionan aquí, haciendo de esta maquina, un maravilloso trabajo. Quizás el único punto débil, cómo vagamente lo comente párrafos arriba, sean sus primeros minutos, ya que no nos dan a conocer con claridad de que trata esta historia. Pero fuera de eso, todo marcha a la perfección y seremos testigos de un homenaje al cine cómo el que no se ha visto en años.

Cómo consejo, en caso de que los agarren desprevenidos, les diré que la historia que narran aquí es meramente de ficción, me refiero a la trama de la película, pero en lo que respecta al eje principal y fundamental de la historia, es completamente real. Todo lo referente al personaje de Kingsley y en lo que respecta al cine, es cierto, pueden buscarlo en cualquier parte. Otro motivo por el cual se le debe aplaudir a Scorsese es también el atrevimiento y visión que tuvo al hacer esta película, más en éstos tiempos de era digital y con el cine de antaño algo olvidado. Más que merecida su nominación a mejor película del 2011, pues se lo gana con creces.

Aun no he tenido la oportunidad de ver el nuevo trabajo de Fincher, La chica del Dragón tatuado, ni el drama bélico de Spielberg, Caballo de guerra, ambas en cartelera, pero por el momento, y de lo que he visto, Hugo es la mejor opción en cartelera y una de las películas más bellas y conmovedoras en muchos años, sin duda alguna de las mejores películas del año pasado y de éste comienzo de año. Más que recomendable para ver en familia y con tus amigos, y en 3D. No se decepcionaran ni mucho menos, si son tan románticos del cine, cómo yo, esta película les encantara y maravillara. Al llegar los créditos finales no quedara más que aplaudir ante lo que acabas de ver. No es broma, en la sala donde me toco verla, los aplausos no se hicieron esperar. Bien Scorsese, muy bien.

Calificación: ★★★★½ 

Es evidente que el tercer filme “La rebelión de los Lycans” fue sólo para tapar los huecos dejados por sus antecesoras, al no haber nada más que ver sobre el legado Corvinus. Por eso ahora no hay rastro de los guionistas Len Wiseman y Danny McBride. Esto es un intento por recuperar una franquicia que le proporciona una buena cantidad de dinero a la casa productora, que por supuesto está en todo su derecho de continuar perpetuamente con la historia de “Inframundo”, sólo que con algo de dignidad si es que la tiene.

Con sólo los despojos de lo que alguna vez fue una mitología entre vampiros y licántropos, se pretende construir nuevas bases de lo que seguro será otra serie de secuelas. Al negarse a participar en esta ocasión Scott Speedman como el eterno compañero de aventuras de la vampiresa, entonces todo el peso del filme recae completamente en la actriz Kate Beckinsale. En realidad no es tan malo, porque aún logra mantenernos atentos a cada uno de sus explosivos combates a muerte con solo su mirada.

Los primero minutos prometían un cambio en la balanza de la guerra entre inmortales. Ahora los humanos estaban enterados de la presencia de estos seres y por lo tanto realizaron una erradicación masiva para protegerse. Inmediatamente Michael y Selene son perseguidos con terribles consecuencias que involucra el despertar de nuestra vampiresa 12 años después.  Al estilo “Resident Evil” y hasta “Alien 4″, nuestra vampiresa debe de descubrir que es lo que ha pasado durante su ausencia y la terrible conspiración que existe contra los de su especie.

En su lucha contra el mal, Selene conoce a una niña con extraordinarios poderes, un nuevo galán que suple la ausencia de Michael y un humano demasiado comprometido en la causa de la “ojitos azules”. El problema es que no te importa ninguno de ellos. Quiero pensar que los nuevos actores para rellenar las vacantes no fueron lo suficientemente aptos, porque de lo contrario me hace dudar de la capacidad del guionista J. Michael Straczynski, quien algunos de ustedes reconocerán por ser el responsable de la serie de ciencia ficción “Babylon 5″  y una buena cantidad de historietas de “El Hombre Araña”.  Admito que en lo poco que se puede llamar de trama, trato de devolver los elementos de familia entre los personajes, pero sinceramente los actores son planos y tan faltos de intensidad, que se vuelven oportunidades perdidas. Prefiero mil veces las sobreactuaciones de  Bill Nighy (Viktor) y Michael Sheen (Lucian), al menos lograban que mantuviéramos la atención.

Cualquier mitología que había mantenido a flote a “Inframundo”, ahora ha sido reemplazada con una gran cantidad de escenas de acción que apenas y logran llenar el perfil de los 88 minutos de duración. Esto será demasiado grato para quienes esperan una buena dosis de batallas con ametralladoras, sangre por montón y una buena carnicería, porque eso es lo único que queda de lo que se puede llamar entretenimiento. No puedo negar que las secuencias tienen su encanto, son las más dinámicas de toda la saga al hacer uso del 3D como principal atractivo. Y eso esto todo lo que tiene esta cinta.

Me hubiera gustado otra visión para la continuación de la saga, había elementos que pudieron ser utilizados de otra forma. En especial ver la decadencia de los vampiros al extremo, al pasar de los lujos a  la miseria, una evolución más allá de los experimentos genéticos de los licántropos, una guerra entre híbridos, o simplemente mirar la erradicación de ambas razas, no que ver la ridiculez de “King Kong Lycan”  persiguiendo a Selene como una bola gigante de pelos.

Sinceramente esto ya no tienen nada que ver con el “Inframundo” que conocemos y no existe nada nuevo por lo que valga la pena.  Es una lástima porque al menos la trilogía tenía ambiciones épicas, ahora sólo se conforma con hacer explotar edificios.

Calificación: ★★☆☆☆ 

Trailer Inframundo: El Despertar 

El amor pareciese mover todo a nuestro alrededor y al parecer, perdonadme si me equivoco, es lo único que vale la pena en nuestra trayectoria por la vida. La fugacidad de los recuerdos que viviste al lado de tus amigos, de tu primer amor, de tu familia, y muchas cosas más, quedarían vacíos y sin alma alguna, de no ser por el amor. No es de extrañar que desde que el hombre existe, siempre trata de comprender lo que ese sentimiento significa. Ha escrito historias, canciones, películas sobre ello, e inclusive lo ha vivido. Por eso tampoco me sorprende que las películas románticas, las de verdad, no las tonterías que nos llegan cada semana a las carteleras, pretendan emocionarnos y robarnos el corazón, eso siempre y cuando, seas un romántico empedernido.

Siempre el mismo día, o cómo su titulo en ingles refiero One day, esta basada en la novela escrita por David Nicholls, del mismo nombre, y que nos presenta la historia de dos simples personas, cómo tu o yo, llamados Emma y Dexter, esto, durante un lapso de tiempo de alrededor de veinte años, desde 1988 hasta el presente, que vendría siendo el año 2008. Por obvios motivos la adaptación fílmica, a manos de la estupenda Lone Scherfig, responsable ni más ni menos que de esa joya inglesa llamada An Education, en el 2009, traslada la historia hasta el 2011, algo que no afecta en nada a la trama, se los aseguro. Para los roles protagónicos se recurrió a actores generacionales, cómo Anne Hathaway, para dar vida a Emma, y a la joven estrella, un buen actor en lo particular, Jim Sturgess para ponerse en la piel de Dexter. Con estos elementos, y con Nicholls al frente del guión, la cosa parecía pintar muy bien.

Entonces, ¿que fallo aquí? Creo al visionar la película completa la conclusión pudiera llegar a ser la misma: emotividad. Scherfig se olvido que no es lo mismo una obra puramente literaria, sin restricción de tiempo, a una fílmica, donde el tiempo es importantísimo. El hecho de contarnos, a nosotros espectadores, la relación de amor-amistad entre un par de individuos a través de veinte años es algo complicado y muy difícil de hacer, pues para ello en primera instancia los personajes deben de simpatizarnos o al menos identificarnos. Algo que afortunadamente aquí se logra, en ello no tengo queja alguna, pero si la tengo en el tratamiento narrativo de esos veinte años.

Pareciera que por momentos, durante ese transcurso de tiempo, algunas cosas quedan inconclusas, cómo la relación de Dexter con sus padres, destacando la figura materna, muy importante al principio, pero desechable al final. Las historias de ambos protagonistas, sumergidos en la más absoluta tristeza, por no alcanzar lo que soñaron de jóvenes, son en parte bien tratadas, aunque después pierden el hilo y el interés. ¿Y porque recalco esto? Pues porque son piezas fundamentales para la formación y estructura de personajes, cada mínimo e insignificante detalle forma parte esencial del personaje, mismo que al igual que la vida misma debe sufrir buenos y malos momentos durante tu trayectoria final.

Para cuando nos llega el clímax final, que no les contara para no arruinarles la sorpresa, pareciera que todo paso muy rápido y ni nos dimos cuenta de la importancia de una relación de dos décadas.  No hay emoción alguna, solo incredulidad al ver ante tus ojos algo que tenía un potencial increíble, pero que fue desaprovechado. La escena final, que curiosamente forma parte del pasado, una idea muy romántica por cierto, logra hacer lo que todo lo demás no pudo: emocionarnos y entristecernos a la vez, recordándonos lo rápida que es la vida, sin piedad ni romanticismos, cruel. Solo estaremos aquí por un lapso de tiempo, quizás solo un día o quizás veinte días iguales, cómo nos sugiere Nicholls, siendo cada día, un año diferente, pero en esencia el mismo.

Finalmente sobre si les recomendaría esta película creo que mi decisión es acertada, y es que si. Pese a no lograr su objetivo principal y fallar en varios aspectos, todos narrativos, al menos lograra entretenerlos y a los más románticos, conozco varios, les sacara unas lagrimas y una que otra risa. Para verla en pareja, de hecho. No es ni la mejor ni la peor historia romántica, pero al menos vale la pena analizarla y tratar de comprenderla.

Calificación: ★★½☆☆ 

Como la versión sueca de 2009 no tuvo la distribución masiva en Estados Unidos al proyectarse en poco más de 200 salas, es obvio que ahora exista una  nueva película con más atractivo comercial y con el potencial de explotar los otros dos libros restantes de la famosa saga “Millenium” del autor y periodista sueco Stieg Larsson. Es por eso que para atraer una audiencia más receptiva tenemos al actor Daniel Craig como el nuevo Mikael Blomkvist y Rooney Mara como la legendaria Lisbeth Salander.

Es por eso que me extraña leer en varias críticas norteamericanas la falta de profundidad que tiene la película sobre los temas raciales. Más en la necesidad de presentar a todo el elenco de afroamericanos como personas buenas y donde el único con actitudes despreciables nunca da la cara, o las personas blancas como racistas de baja categoría. Es como si hubieran querido más crueldad representada en la pantalla,  lo cual estoy en desacuerdo cuando no existe el sustento u objetivo, al menos que sea historia verídica y hasta en esos casos el director opta por evadir esos momentos indeseables.  Pero siendo que “Historias Cruzadas” está basada en la novela “The Help”  escrita por Kathryn Stockett, no encuentro la terquedad por mostrar el odio que ya hemos visto en otras ocasiones.

La película es un triunfo porque valora sus personajes, más que representar a cada instante el contexto histórico en el que se encuentra. Nada mejor que ver los primeros instantes en los que conocemos a Aibileen Clark (Viola Davis) relatando su vida, que aún con el dolor que representa fielmente la actriz, no es motivo para dejar de interesarnos en su dilema. Toda su vida se la ha pasado criando bebes, hasta lleva la cuenta y lo peor es que aún con todo el cariño y entrega, resultan ser igual que los padres a quienes les trabaja como empleada doméstica. Como ella, la mayoría de las mujeres se dedican al trabajo doméstico sólo porque su color de piel no les permite mayores oportunidades, entonces tenemos toda clase de maltratos por parte de los blancos porque saben que no tienen otra opción.

Contrario a lo que puedan pensar, hasta existe un toque de comedia gracias a la audacia de Minny Jackson (Octavia Spencer), quien es la mejor amiga de Aibileen. Es con ella que entenderán todos los chistes de los “Globos de Oro” referentes a un pastelillo con dudosos ingredientes. ¿Quién la viera? Al principio comienza como una persona altanera que no vemos hasta después de la mitad de la película y después resulta ser insuficiente su presencia porque literalmente se roba atención del filme. Es entonces que no es casualidad que se haya llevado uno de los premios a mejor actriz de reparto y no dudo que sea reconocida también en los premios Oscar.

Inmediatamente han de pensar que este es otro drama desgarrador, pero resulta ser todo lo contrario. Aunque se nos muestra la terrible opresión que sufrieron las personas de color durante la década de los sesenta, es más bien la fantástica historia de un grupo de mujeres que estuvieron dispuestas a contar su vida a una joven escritora para que lo publicara en un libro. Esa seria Eugenia “Skeeter” Phelan (Emma Stone), quien acaba de regresar al pueblo de  Jackson, Mississippi, porque por falta de experiencia no le dan un trabajo de columnista en algún diario de Nueva York, por lo tanto termina trabajando en uno de su localidad. En un día como tantos, al ver como las empleadas domésticas son discriminadas al grado de que no les permiten utilizar el sanitario, comienza a conocer las historias de vida del grupo de valientes mujeres encargadas de cuidar niños, cocinar, lavar, ir al mercado y sobrevivir sabiendo que su situación no podía cambiar.

Si no fuera suficiente, tenemos a un grupo de señoras de familia comandadas por Hilly Holbrook (Bryce Dallas Howard) como si fuese la abeja reina de la colmena. Su principal objetivo es promover una iniciativa de salubridad que obliga a tener un baño para la servidumbre, además de hacerle la vida imposible a Celia Foote (Jessica Chastain).

Si me extendí demasiado en las introducciones de los personajes, es porque el elenco de actrices lo merece. Sus actuaciones tan peculiares hacen que tengan tantas nominaciones como fuera posible. Cada instante en el que aparece, no sólo demandan nuestra atención si no que actúan como si cada una de ellas tuviera el protagónico.  Aquí no hubo ausencia de talento, pero si la falta de equilibrio en la trama y no tanto porque sea un problema en sí de la autora, si no porque creo que nunca pensó que sería traducido al cine.

La primera mitad del filme está lleno de explicaciones de los peligros que acechan a los afroamericanos, los maltratos y la audacia con la que han podido sobrevivir. Hay escenas en donde sólo estás esperando a que algo terrible pase, pero a partir de que el grupo de domésticas comienzan a relatar su vida, el temor se desvanece y es como si estuviéramos mirando otra película por completo.

También en lo que se refiere a las historias personales el impacto no es el mismo, mientras que el grupo de mujeres de color tienen tragedias, el drama de  ”Skeeter” no le llega a los talones con su trauma de la niñera perdida. Luego existe un prolongado desenlace en donde no ocurre demasiado,  hasta que por fin se decide en terminar con una poderosa escena en donde los sentimientos de Aibileen explotan al ser contenidos durante tantos años de represión.

La película no es la perfección que pretenden vender, pero no es posible negar la calidad del elenco de actrices que logra hacer que valga la pena algo que fácilmente hubiera pasado desapercibido.

Calificación: ★★★½☆ 

Trailer  Historias cruzadas en Hispanoamérica  / Criadas y señoras en España 

La historia que nos compete esta basada en los trágicos sucesos que ocurrieron en Massachusetts, Estados Unidos, en 1980, cuando un hombre inocente es acusado de homicidio y sentenciado a cadena perpetua. Ante ese injusto suceso, la hermana menor del acusado, Betty Anne Waters, decide estudiar Derecho y entrar a la escuela de Leyes para así poder defender, ahora como abogada, a su hermano y demostrar que es inocente. Hilary Swank da vida a Betty, y Sam Rockwell, quizás uno de los actores mas infravalorados de la actualidad, cuando en realidad es de los mejores histriones de su generación, da vida al hermano acusado, Kenny.

La historia como tal es potente y promete mucho, es quizás por ello que la decepción es grande cuando vez que todos los elementos que el director Tony Goldwyn tenia a su alcance se ven echados a la borda por tratar de llevar una narrativa sencilla y sin ninguna complicación, cuando en realidad tenia para usar un poderoso drama y sacarle mucho mas provecho a sus actores para que estos mismos se lucieran. Mas si tienes en tu reparto actores de lujo como Minnie Driver y Melissa Leo, los cuales salen sobrando y no aportan nada a la trama. Una lastima.

Conforme la película avanza, entrelazando de manera incorrecta flasbacks de la infancia de los protagonistas, con los sucesos que ocurren en tiempo presente, se nota un cansancio y una falta de ritmo increíble, tanto que el espectador pudiese llegar a perder el interés, principalmente porque no sucede absolutamente nada. Para cuando finalmente nos encontramos con el clímax o el punto de interés que hará que el acusado tenga posibilidades de salir libre, uno como espectador ha perdido la simpatía que nos cautivo los primeros minutos.

Goldwyn cae en el lastimoso error de contar una historia como simple anécdota, plana y sin ningún conflicto. Un error si me preguntan, pues si quería hacer una simple anécdota bien pudieron realizar un documental, el cual, por mucho, es mas realista y tiene mas impacto en historias verídicas. Ni la sobreactuación de Swank ni el buen trabajo de Rockwell logran, a final de cuentas, salvar un producto que se hundió en su falta de talento y de atrevimiento. Pudo haber sido un drama memorable y emotivo, pero se quedo en un frio intento. Un intento que queda mas en evidencia al ver como escenas con una alta carga dramática son desperdiciadas, como el tramo final.

Si te gustan los dramas carcelarios, es mejor que te abstengas, pues quizás quedes con un mal sabor de boca ante esta malograda historia de amistad, amor y lazos familiares que pueden combatir la injusticia de nuestra sociedad. Mejor ver relatos mas serios y que le dan mil vueltas a este tibio ejercicio, como lo son Cadena perpetua (1994, Frank Darabont), En el nombre del padre (1993, Jim Sheridan) y Huracán (1999, Norman Jewison).

Calificación: ★★☆☆☆ 

“Caballo de Guerra” es una película que muestra las dos facetas del famoso director. Por un lado nos ofrece la inocencia de “E.T.” y por el otro la crueldad de la guerra como lo hizo con “Salvando al Soldado Ryan”. La combinación de ambos elementos hacen que la cinta sea dependiente una de la otra, con resultados positivos, aunque no tanto como declararla como una de las mejores películas que el director nos ha ofrecido. Si hay que evaluarla dentro su larga cinematografía del director, se encontraría un poco arriba del promedio.